"Gut Feelings" est exposé à The Mosaic Rooms, la galerie d'art et librairie à but non lucratif de Londres, jusqu'au29 mai 2022. Hayv Kahraman donnera une conférence en ligne gratuite depuis Los Angeles le 7 avril, à 19 heures, heure britannique. Plus d'informations/RSVP.
Melissa Chemam
Provocatrice, symbolique, curative, féministe, l'œuvre de l'artiste irako-américaine Hayv Kahraman est picturale, mais tout sauf ordinaire. Hayv Kahraman, qui s'identifie comme kurde, a fui l'occupation américaine de l'Irak, d'abord pour la Suède, puis pour les États-Unis. Elle vit à Los Angeles depuis 17 ans. Comme le souligne le commissaire de The Mosaic Rooms à propos de "Gut Feelings", "l'artiste se plonge dans la recherche scientifique pour situer les effets du traumatisme dans le corps et pour étudier les méthodologies de guérison et de soins physiques".
Kahraman elle-même explique : "En rangeant les affaires de ma mère, j'ai trouvé un livre intitulé Neurosculpting. Saviez-vous que vous avez la capacité de recréer physiologiquement de nouvelles neuropathologies dans votre cerveau, de resculpter, de désapprendre et de réapprendre ? Imaginez maintenant ce que cela signifie pour un réfugié.
"Je pense à mes propres expériences en tant qu'Irakien ayant fui la guerre pour se rendre en Suède, et je ne peux m'empêcher de remarquer une régurgitation insidieuse de la douleur qui circule dans les communautés de migrants auxquelles j'appartiens."
Sa série "Gut Feelings" occupe trois pièces afin de nous raconter une histoire et d'emmener les spectateurs dans un voyage, un cycle de guérison.
Dans la première salle, le tableau principal représente quatre femmes qui tentent de contrôler ou de démêler des cordes mauves reliées par des nœuds, dans des positions qui peuvent rappeler une danse, un rituel ou même une journée à la blanchisserie. Les cordes ressemblent vaguement à des draps qui auraient été tordus et attachés ensemble. Les femmes sont représentées presque nues, seulement couvertes d'une culotte noire à pois blancs, et sur leurs hanches, luttant avec les cordes, qui semblent avoir une énergie propre.
Le symbolisme est profond : Les cordes pourraient-elles être des serpents ? Des cordons d'attachement ? Des voies neuronales ? Des bouts d'ADN ? Des intestins ? Les cheveux des femmes, habituellement peints en noir foncé dans la plupart des tableaux précédents de Kahraman, sont ici recouverts d'un tissu du même rose clair... L'œuvre est intitulée "Entanglements with Torshi". De l'autre côté de la pièce, des bocaux en verre sont alignés sur trois étagères brutes différentes, contenant des légumes marinés - torshi, dans la cuisine irano-irakienne - de la même couleur mauve, mais plus vive.
Avec ces éléments, Hay Kahraman dit avoir voulu expérimenter les relations entre nos corps et "l'altérité". Cette exploration prend la forme d'une représentation de corps féminins en interaction avec des micro-organismes. Qu'il s'agisse de bactéries vitales voyageant dans les corps ou d'hormones, ils représentent pour l'artiste la nature "colonisatrice" de la vie microbiotique, son caractère étranger au corps humain et pourtant sa nécessité vitale. Ce qui lui permet de comparer les virus et autres bactéries qui nous habitent aux réfugiés, exclus et autres étrangers de nos sociétés : trop souvent qualifiés de parasites, ne sont-ils pas au contraire indispensables à la survie de l'homme ?
Dans la deuxième salle, les tableaux représentent des femmes similaires mais entourées de cordes noires, ressemblant à des chaînes. La plupart des femmes ont cette fois les cheveux découverts, noirs mais serrés. Dans un portrait solo, la femme est habillée, et les cordes pénètrent dans son ventre par un grand trou circulaire ; elle semble guider les cordes, encore plus emmêlées que dans la salle précédente. Dans une série de trois tableaux, des femmes sont confrontées à une corde similaire qui pénètre dans leur corps par la bouche. Dans le tableau le plus frappant, une femme est à nouveau accroupie et se verse un peu de liquide mauve sur la tête, entourée des nœuds noirs enchevêtrés de la corde.
Pour l'artiste, ces nœuds noirs représentent les croyances transmises de force aux gens par la civilisation. Intitulée "NeuroBust" - une référence à l'expression "myth busting" - l'une des séries tente de représenter les "modes de pensée coloniaux" qui hantent le Moyen-Orient depuis des décennies. "Play Dead" fait allusion au traumatisme induit lié à l'enfermement, explique Kahraman. Quelques éléments supplémentaires sont exposés, avec des notes et des croquis de l'artiste, montrant le processus derrière ce projet.
La dernière salle, au rez-de-chaussée, expose les pièces de résolution. Peintes sur des fibres de lin, créées après que l'artiste a effectué des recherches sur les bactéries et le microbiome, elles témoignent de ses efforts pour "apprendre des microbes". Elle réfléchit à nouveau à la culture populaire occidentale qui considère les bactéries et les microbes comme sales, étrangers, envahissants, voire hostiles, alors que la biologie prouve en réalité qu'ils sont des éléments clés de la survie et de la vie. Deux des femmes semblent ici tisser leurs propres cheveux en une corde noire emmêlée, devenant un nœud géant, à partir duquel ils se multiplient en fils, presque comme une toile d'araignée. Une autre figure féminine fait le tissage à partir d'une corde sortant de son ventre percé.
Hayv Kahraman a décrit ce processus comme une métaphore pour traiter différents types de traumatismes. Elle a également voulu dénoncer le processus par lequel les organisations humanitaires occidentales utilisent les expériences traumatiques des réfugiés afin de les "compiler" comme des "portefeuilles pour construire leur dossier", pour déposer une demande d'asile. "Le système (agences humanitaires, gouvernementales et d'aide sociale) exige l'affichage de la douleur", écrit-elle. "Plus vous êtes connu pour avoir souffert, plus la récompense est élevée, créant une économie pernicieuse de la blessure qui maintient les réfugiés dans un état de blocage."
Ses peintures ont souvent été remplies de motifs géométriques islamiques, mais aussi de références stylistiques à la calligraphie japonaise et arabe, à l'art nouveau, à la miniature persane et à l'iconographie grecque.
Le corps, et plus particulièrement le corps féminin, est au cœur de son exploration plus récente des thèmes susmentionnés, creusant la recherche autour du traumatisme transgénérationnel et des affects postcoloniaux. Le corps est pour elle à la fois un objet et un sujet pour incarner l'artiste elle-même autant qu'un collectif.
J'ai vu pour la première fois le travail de Kahraman dans un spectacle itinérant, " Still I Rise ", à l'Arnolfini de Bristol, en octobre 2019.
Son tableau "La danse de Kawliya" représente des femmes issues de l'héritage rom en Irak, qui sont emportées dans un rituel de danse. Les mouvements rituels, dans leurs traditions, sont censés laver la douleur et la discrimination que leur communauté combat depuis des décennies, voire des siècles. La beauté de la peinture sur bois, la vivacité des mouvements, le pouvoir symbolique des cheveux féminins dans ces tableaux étaient aussi évocateurs que les corps et leurs microbes dans ces nouveaux tableaux, expressifs et libérateurs tant pour les femmes représentées que pour le spectateur.
"Gut Feelings" fait passer son approche à un niveau supérieur, avec une signification historique et politique encore plus grande - et une relativité - dans un monde comptant des millions de réfugiés. La prochaine exploration de l'artiste, "The Touch of Otherness", sera exposée au Savannah College of Art and Design (SCAD), Savannah (2022) et à l'ICA San Francisco, San Francisco (2023).
