Fouad Agbaria: Artista destacado

15 de mayo de 2022 -
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Dos cuadros de la serie "Nostalgia de la luz" de Fouad Agbaria: "Break of Dawn" y "Summer Wind", acrílico sobre lienzo, 120x120cm (cortesía del artista).

 

La obra de Fouad Agbaria es un proyecto fragmentado y dividido, que va de la naturaleza impresionista a la abstracta y de ahí a la caligrafía, todo ello basado en la licencia del artista para distribuir, perturbar, construir y deconstruir. Agbaria es un artista abstracto en el pleno sentido de la palabra, que migra entre estilos. Su proyecto artístico amalgama diversos elementos, algunos constantes y otros variables. Expresa el ritmo en sus obras apoyándose en la repetición y anticipándose a ella, que realiza mediante la continuidad, el orden, el desorden, la armonía y la desarmonía... Es evidente, también, que Agbaria está fuertemente influenciado por el Sufism, como se manifiesta en el movimiento circular, las letras en movimiento y la mezcla y combinación de luz y oscuridad. -Aida Nasrallah

 

Fouad Agbaria (فؤاد إغبارية)

 

Nacido en el pueblo de Musmus, cerca de Umm El Fahm, en 1981, Fouad Agbaria se licenció en la Academia Bezalel de Jerusalén en 2004 y obtuvo un máster en la Universidad de Haifa en 2014. Es uno de los artistas más activos de su generación, entre los que redefinen continuamente lo que significa ser palestino al oeste de la antigua Línea Verde.

 

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Autorretrato de Fouad Agbaria durante Covid (cortesía del artista).

Como señala su galería de Ramallah, Zawyeh Gallery, Agbaria ha pintado prolíficamente, experimentando a menudo con diferentes estilos, técnicas y medios, como el carbón, el óleo, el acrílico y la litografía. Su catálogo de obras hasta la fecha ha tratado temas relacionados con la narrativa, la identidad y la memoria palestinas. Ha participado en más de 20 exposiciones colectivas y ha realizado varias exposiciones individuales, como "Maps of Memory" (2018) y "Nostalgia a la luz" (2015). Participó en la exposición colectiva "Art on 56th" en Beirut en 2016 y en varias otras exposiciones colectivas en Nazaret, Jaffa y Tel Aviv.

 

Fouad explica a TMR: "Estoy felizmente casado con una mujer maravillosa llamada Manar, trabajadora social del ayuntamiento. Ella me ha apoyado mucho y siempre me anima a seguir mis sueños. He sido bendecido con tres hermosos hijos, Selen, Mohamad y Adam. Aunque mi pasión es el arte, mi trabajo diario es el de profesor de autoescuela, y también enseño arte en colegios, en particular dibujo, pintura y escultura.

 

"Mi padre era profesor de hebreo y mi madre una modesta ama de casa. Tuve la suerte de nacer en una zona rodeada de un paisaje impresionante y perfecto, y aunque desgraciadamente había muchas bases de entrenamiento del ejército, pude encontrar extensiones de tierra tranquilas y bellamente vírgenes, que fueron una gran inspiración para mi mapa de recuerdos.

 

"Mi abuelo era un agricultor tradicional palestino y desde muy joven pasé la mayor parte de mi tiempo libre ayudándole en todas sus tareas diarias, como arar la tierra, cuidar el ganado y recoger las cosechas. Era un hombre encantador y disfruté de cada momento precioso con él, a pesar de que era muy estricto".

 

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Fouad Agbaria - "Cactus en el pueblo", óleo sobre lienzo, 120x120cm, 2010 (cortesía del artista).

 

Fouad añade: "Otros recuerdos importantes que me sirvieron de inspiración fueron las enormes cantidades de cactus de higo chumbo (sabra) que eran comunes en nuestra zona. Se utilizaban para proteger el espacio personal como un muro natural, y también producían hermosos frutos comestibles de colores. Para mí, lo especial de la planta de cactus es, en primer lugar, su capacidad de sobrevivir y crecer en condiciones ambientales difíciles; también me resultaba sorprendente que una planta que a simple vista parecía muerta tuviera la capacidad de crear vida desde su interior. Desde el punto de vista artístico, el tallo del cactus -aunque estuviera lleno de espinas afiladas- era extremadamente suave y liso. Para mis jóvenes ojos esto era visualmente muy conmovedor".

 

Los paisajes que rodean Musmus, el pueblo natal de Agbaria, no muy lejos de Umm al-Fahm (en Galilea), son claramente la inspiración de sus numerosos cuadros de paisajes, a menudo con la cosecha de trigo o la sabra (cactus espinoso), un símbolo que recupera de los israelíes que lo adoptaron como símbolo de la dureza autóctona.

 

En un catálogo reciente, el artista comentó: "En esta época, el tiempo se precipita y los acontecimientos se suceden en un abrir y cerrar de ojos, dejándonos perdidos. Con el recuerdo de las memorias de la infancia y los recuerdos que se niegan a ceder y marchitarse, como las letras y las palabras que componen la historia de una nación. Las palabras oscilan entre el bien y el mal, el amor y el odio, y la devastación y la esperanza en su viaje en busca de la luz. Dentro de las vallas de cactus se encuentra una fábula que cuenta la historia de una lucha entre el bien y el mal, la contención y la seguridad, y una memoria que arroja luz sobre un hogar abandonado y una tierra asaltada, que se niega a ser derrotada, con toda su dulzura y sus espinas/amargura". 

 

 

 

 

 

 

Un extracto de la declaración de Foud Agbaria: "Mi mundo de la pintura: un refugio emocional y cognitivo"

 

 

Durante mis estudios académicos en Bezalel, mis obras se ocupaban de desmontar y reconstruir, de ensuciar y limpiar, igual que en mi infancia desmontaba mis juguetes para volver a montarlos. Quería limpiar el hollín de la superficie fea y exponer, en un acto dialéctico, los opuestos insalvables de la fealdad y la belleza, del negro y el blanco puro.

 

También intenté revivir el arte de los moldes decorativos en obras prácticas que utilizaban carboncillo, graffiti e impresión litográfica. Intenté situar los símbolos de la cultura que había heredado dentro del batiburrillo de escuelas y estilos que poco tenían que ver conmigo, describir el dualismo de la belleza inocente y proponer formas de resolver sus contradicciones. 

 

Cuando terminé mis estudios, opté por volver a la zona donde nací -a Umm el-Fahem- y ganarme la vida allí como profesor de autoescuela. Así, mi vida transcurrió en dos sistemas paralelos: La vida "real" y la vida de artista. De hecho, en esa época me enfrenté al abismo que separaba mi aburrida rutina cotidiana de mi vida como artista. Traté de señalar a los espectadores el escenario de mi infancia en Musmus mientras reexaminaba los límites del lugar como adulto sobrio y con conciencia social y política.

 

Veo la chumbera como un símbolo de supervivencia. Incluso en los lugares abandonados y en las aldeas destruidas, permanece en el paisaje como un poste indicador, confirmando su existencia y vigilando la aldea como un centinela.

 

El higo chumbo aparece en obras de gran tamaño, caracterizadas por su optimista y audaz bordado multicolor, y se expresa de diversas formas que ensalzan su naturaleza cíclica e indomable. Se pinta en forma de muro o de muralla, erizada pero también con ricos frutos nutritivos en los que se impregna la dulce memoria. A veces representa un mundo perfecto; aquí el cactus está completo, hojas y frutos incluidos; otras veces es un arbusto canoso y desmoronado, que simboliza la destrucción. Esta destrucción, sin embargo, es temporal; a partir de su decrepitud, la chumbera se regenerará, reverdecerá y volverá a dar su dulce y nutritivo fruto.

 

 

En etapas más avanzadas de mi trabajo, llevo al higo chumbo a un lugar de deconstrucción, un símbolo de la desintegración de la sociedad árabe. Lleno el lienzo con un modelo de hojas de higo chumbo sumergidas en una bandeja de líneas de contorno amarillas y marrones. Aquí no se encuentra nada completo que pueda ser captado. En otras obras, el mismo paisaje de la infancia es objeto de un tratamiento gráfico decorativo como expresión de dolor y pena por el lugar, que ha sido desfigurado y pisoteado por un ángel de la destrucción representado por las excavadoras. El embellecimiento de la escena expresa una crítica al Estado de Israel, que no permite la vida y la construcción en este paisaje de la infancia, inutilizándolo.

 

Las obras posteriores expresan una profunda frustración que tiene su origen en el problema de mi estatus e identidad en Israel. La contemplación crítica neutraliza los colores restantes, que se contraen en una bandeja en la que sólo caben tonos amarillos y marrones. Las imágenes con las que me relaciono se simplifican enormemente. En "Checkpoint", describo a un soldado que apunta con su rifle a un árabe y le ordena que se desnude. El cuadro da fe de una experiencia personal que tuve mientras asistía a Bezalel y vivía cerca de Jerusalén, teniendo que cruzar puestos de control todos los días.

 

En los últimos años, mi trabajo ha expresado mi búsqueda de la transición de las técnicas al desarrollo de las ideas. Me muevo entre el mundo técnico y el cognitivo, volviendo y buscando la expresión dentro y a través de los colores. Las obras se caracterizan por pinceladas libres y grabados a cuchillo de líneas cuadriculadas de anchura y altura. Las capas de gris y negro añaden movimiento a la pintura, permitiendo que el amarillo se eleve y eclipse a los demás tonos sin destruir su armonía. Al grabar en la pintura, le doy al cuadro una medida de poder y expresividad aguda. Quien lo ve de cerca puede pensar que he utilizado una aguja e hilo para producir el eflecto, porque las líneas grabadas crean la impresión de una textura de tela. Esta técnica de grabado me evoca un recuerdo de la infancia: un hombre que utilizaba una aguja e hilo para fabricar escobas de paja. De niño, esperaba con impaciencia la visita del "fabricante de escobas de paja" a nuestro pueblo, como hacía en la época de la cosecha del grano. Esperaba con pasión el momento de sentarme a su lado y ver cómo creaba esas escobas con sus ágiles dedos.

 

 

La singularidad de cualquier acto artístico es inseparable de la conformación del patrimonio. El patrimonio es fundamentalmente una fuerza viva y, como tal, cambia radicalmente. Una escultura o un monumento de Venus puede aparecer bajo formas distintas a la griega, la que lo hizo respetable y valioso, differing de la mirada de las monjas medievales que lo consideraban vil, como un ídolo. Ambos ejemplares, sin embargo, se disputan la hegemonía absoluta. Aquí radica la característica única de transponer una acción de una época histórica a otra, cada espécimen copiando sobre una herencia y una cultura de la época.

 

El grabado en pintura es un acto dualista, ya que revela y oculta una superficie. En mis obras recientes, expreso los aspectos del sufferismo que experimento, incluidos los aspectos colectivos y autocríticos para crear un estrecho vínculo entre mis esfuerzos artísticos y la sociedad en la que vivo, con su abundancia de problemas. 

 

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