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Mohamed Gohar, L'Alexandrin, une exposition
23 mars - 15 avril, Janaklees Visual Art, Alexandrie, Egypte-plus d'info
De NEOM, le long de la partie nord de la mer Rouge en Arabie saoudite, à El-Alamein City, sur la côte méditerranéenne de l'Égypte, les déserts et les côtes sont rasés et réaménagés dans les pays arabes - à la fois ceux qui peuvent se le permettre et ceux qui ne le peuvent pas. Certaines décisions gouvernementales en matière de planification, rapidement mises en œuvre par des architectes, des urbanistes et des promoteurs multinationaux, ont été prises pour des raisons de prestige et d'image de marque, d'autres fois pour des raisons économiques - le plus souvent sous des promesses voilées de durabilité.
Cependant, au-delà des salles de conseil d'administration et des plans ambitieux, les habitants ordinaires des villes de la région MENA partagent une expérience vécue, trop facilement occultée ou éclipsée par les mégaprojets de construction. C'est cette expérience du quotidien que l'exposition L'Alexandrin explore. L'architecte, chercheur et artiste égyptien Mohamed Gohar va au-delà des paillettes des méga-nouvelles constructions pour entamer un dialogue avec des Alexandrins ordinaires sur les espaces de leur ville.
Au départ, ses recherches sur le patrimoine culturel d'Alexandrie mettaient l'accent sur un environnement bâti en pleine mutation, des structures démolies ou vandalisées. Avec le temps, il a déplacé son attention des bâtiments vers "le comportement social des personnes qui utilisent les bâtiments. L'ensemble de ces éléments modifie le tissu urbain de la ville".
Se considère-t-il donc comme un architecte "populiste" ? Gohar vit entre Alexandrie et Marseille, et travaille dans un bureau d'architecte méticuleux dans la deuxième ville d'Égypte.
"Les architectes sont égocentriques", dit-il en riant de manière dépréciative avant de poursuivre sur une note plus sérieuse avec Zoom.
"Lorsque l'on se rend à Alexandrie, on peut à première vue trouver la ville chaotique ou désordonnée. En réalité, il s'agit d'un énorme système géré par les gens eux-mêmes. Pour comprendre et déchiffrer ce réseau, il faut analyser la situation, parler aux gens pour apprendre, essayer de comprendre leurs besoins et ce qu'ils font.
Malheureusement, observe Gohar, les autorités entreprennent rarement une véritable consultation sur le terrain, qui tiendrait compte de ces vérités de la rue.
"Ce qui se passe, c'est que ces groupes sortent de l'ombre et apportent un changement complet, et le changement est une bonne chose - c'est ce dont nous avons besoin en tant qu'urbanistes ou architectes. Cependant, il se peut qu'il ne soit pas durable en fin de compte parce que les besoins des personnes ne sont pas pris en compte. Peu de temps après la restauration ou les travaux, les gens reprennent leurs anciennes habitudes. Ils réintroduisent ce dont ils ont besoin dans la ville. C'est une boucle qui se répète sans cesse".
Alexandrie, fondée par Alexandre le Grand en 331 avant notre ère à côté d'un minuscule village de pêcheurs égyptiens sur la côte méditerranéenne, est une ville au passé important. Ce patrimoine risque d'occulter les besoins réels et modernes de ses habitants. Gohar avoue s'intéresser aux espaces vides d'une ville entre les bâtiments.
Cette idée est expliquée plus en détail dans la description formelle de ses recherches dans le communiqué de presse de l'exposition : il "étudie les espaces de rassemblement social et d'interaction au sein de la communauté - qu'il appelle le "salon de la société" ... puis reconstruit des récits sociaux ascendants alternatifs/parallèles sur la façon dont la société a été façonnée par l'héritage matériel et immatériel, sur son fonctionnement actuel et sur la façon dont les individus adaptent leur environnement physique pour que leur ville fonctionne pour eux".
Gohar considère ses 12 dessins présentés dans l'exposition comme "un échange, qui agit comme un miroir".
Il se réjouit également de la possibilité d'une réponse dynamique et interactive à l'exposition, qui se tiendra à la galerie d'art visuel Janaklees. Loin d'être un architecte hautain, il veut apprendre des conversations qu'il s'attend à avoir avec toutes sortes de personnes différentes attirées par l'exposition. L'Alexandrie. Il espère que ce dialogue lui permettra d'approfondir ses recherches sur leurs attentes, leurs expériences et leurs usages de la ville.
-Malu Halasa
Discussion autour d'un livre : Aucune prison ne peut enfermer votre poème
23 mars, Montigny-le-Bretonneux, France - plus d'infos
Rejoignez le poète afghan Somaia Ramish et la poétesse belge Cécile Oumhani pour discuter de la dernière anthologie Nulle prison n'enfermera ton po ème, éditions Oxybia 2023, accueillie par Nouraddine Agne à Montigny-le-Bretonneuz. Cette lecture s'inscrit dans le cadre du Printemps des Poètes qui se déroule dans plusieurs lieux en France.
Ce livre de résistance rassemble près de 95 voix, provenant d'Afghanistan, du Brésil, du Cameroun, du Canada, de Cuba, des États-Unis, de France, d'Iran, du Japon, du Mexique, du Nigeria, des Philippines, de Syrie et de Turquie.
Dans leur brochure, les organisateurs précisent que "ces voix traversent les frontières pour affirmer un attachement indéfectible à la liberté de créer et de célébrer la poésie, part essentielle de notre humanité, qu'aucun régime ne pourra faire taire".
De Kalila wa Dimna à La Fontaine : Voyager à travers les fables
26 mars - 21 juillet, Louvre Abu Dhabi, EAU - plus d'infos
Avec environ 133 œuvres d'art, dont des manuscrits, des arts graphiques et des objets en 3D, généreusement prêtés par des institutions prestigieuses du monde entier, le Louvre Abu Dhabi invite les visiteurs à découvrir les points communs entre Kalīla wa Dimna et La Fontaine.
Les œuvres retracent l'évolution fascinante de ces fables. Elles sont nées en Inde et en Grèce, puis ont évolué grâce à des personnages influents tels qu'Ibn al-Muqaffa' et Ésope, pour atteindre leur apogée avec le fabuliste français Jean de La Fontaine au XVIIe siècle.
Il s'agit d'une exposition à ne pas manquer.
Plus fort que les bombes : Songs for Our People par Lubana Al-Quntar
28 mars -Arab American National Museum, US - plus d'infos
Coïncidant avec le début du mois de jeûne musulman du Ramadan, le musée national arabo-américain des États-Unis organise un concert envoûtant mettant en vedette la chorale arabo-américaine et l'artiste en résidence du musée, la chanteuse d'opéra syrienne Lubana Al-Quntar. Le concert sera suivi d'un iftar communautaire.
Samia Henni : La toxicité coloniale en spectacle
Ongoing- 16 avril, The Mosaic Rooms, Londres- plus d'infos
La plupart des lecteurs connaissent les effets désastreux des essais nucléaires sur les êtres humains et la faune dans le Pacifique - par les Américains sur l'atoll de Bikini, par les Britanniques sur l'île Christmas, pour n'en citer que deux. Beaucoup moins nombreux sont ceux qui connaissent les actions dévastatrices similaires menées par les Français dans le Maghreb arabe. Une nouvelle exposition à Londres apporte un correctif opportun.
L'histoire secrète des essais nucléaires et d'armement de la France en Algérie est dévoilée dans l'exposition itinérante La toxicité coloniale en spectacle réalisée par l'historienne de l'architecture et conceptrice d'expositions Samia Henni.
En février 1960, la première des 17 bombes atomiques françaises a explosé dans le district de Reggane, dans le Sahara algérien, à environ 1 000 km au sud d'Alger. Le moment choisi par la France pour lancer son programme nucléaire dans le désert est important. Six ans auparavant, en 1954, la guerre d'indépendance algérienne avait éclaté contre les Français. À la fin des années 1950, du pétrole a également été découvert en Algérie. Paradoxalement, la valeur stratégique et économique de l'Algérie pour la France s'est accrue au moment même où ce vaste territoire échappait à l'emprise de la puissance coloniale. C'est du moins ce qu'il semble.
Comme le souligne Henni dans "Jerboasite : Donner un nom à la matière radioactive française dans le Saharaen 1966, quatre ans après l'indépendance de l'Algérie, la France a fait exploser quatre bombes nucléaires atmosphériques et treize bombes nucléaires souterraines dans le Sahara algérien. Les retombées radioactives des autres essais d'armes nucléaires effectués par la France "[ont] provoqué une contamination irréversible de l'Algérie, de l'Afrique centrale et de l'Ouest, et de la Méditerranée (y compris le sud de l'Europe)".
À ce jour, le programme d'armement nucléaire de la France dans le Sahara algérien reste un secret civil et militaire. Les archives du gouvernement français relatives à la production, à la planification et à la réalisation des essais d'armes nucléaires sont classifiées et hors de portée du public.
Cette amnésie imposée encombre non seulement l'écriture des histoires atomiques de la France dans le Sahara algérien, mais empêche également les victimes, les vétérans et les groupes civils de réclamer les compensations et les reconnaissances socio-économiques, psychologiques, spatiales et sanitaires qui devraient leur être accordées selon les protocoles du droit international".
Performing Colonial Toxicity présente des cartes, des photographies, des photos de films, des documents et des entretiens réalisés par Hanni elle-même, ainsi que des témoignages difficiles à obtenir. Certains proviennent d'Algériens du Sahara qui travaillaient sur la base atomique de Reggane ou d'Ekker, ou de leur famille élargie et de leur communauté. L'exposition comprend également des témoignages de militaires et de civils français qui étaient stationnés dans deux bases françaises en Algérie. L'exposition audiovisuelle a été organisée en ce que Henni appelle des "stations".
Il s'agit de l'aboutissement d'un projet de recherche de deux ans commandé par Henni pour le programme biennal If I Can't Dance Edition IX - Bodies and Technologies (2022-23). Megan HoetgerMegan Hoetger, qui a assuré le commissariat de Performing Colonial Toxcity pour Framer Framed à Amsterdam, décrit l'exposition comme étant "en partie de l'histoire orale et en partie du journalisme d'investigation".
Henni est née à Alger. Ses expositions se sont concentrées sur les environnements construits, détruits et imaginés qui ont été produits par la colonisation. Elles ont porté sur des sujets divers mais liés, tels que les déplacements forcés, les armes nucléaires, l'extraction des ressources et la guerre. Henni est l'auteur de Architecture of Counterrevolution : L'armée française dans le nord de l'Algérie (gta Verlag, 2017, 2022) et de Colonial Toxicity : Répétition de l'architecture et du paysage radioactifs français au Sahara (Si je ne peux pas danser, je ne veux pas faire partie de votre révolution, Framer Framed, 2023). Elle a également édité War Zonesgta papers no. 2 (gta Verlag, 2018) et War Zones, gta papers no. 2 (gta Verlag, 2018) et Deserts Are Not Empty (Columbia Books on Architecture and the City, 2022). Elle est actuellement professeur invité pour 2023-2024 à l'Institut pour l'histoire et la théorie de l'architecture (gta), ETH Zürich.
Si le reste du monde ne connaît pas ce passé, l'histoire secrète des essais nucléaires français dans le Sahara algérien est depuis longtemps un sujet d'investigation pour les artistes algériens. Ammar Bouras a déclaré à Pierre Daum d'une œuvre qu'il a réalisée après s'être rendu dans le massif du Hoggar, où les Français ont testé une bombe nucléaire deux mois avant l'indépendance de l'Algérie en 1962. Une clause secrète des accords qui ont finalement accordé l'indépendance à ce pays d'Afrique du Nord autorisait la France à poursuivre ses essais nucléaires sur le sol algérien jusqu'en 1966.
Plus de soixante ans plus tard, les conséquences des habitats détruits et des vies gâchées perdurent. Aujourd'hui, heureusement, il y a une prise de conscience mondiale du coût de la dégradation de l'environnement. Ce que Henni réussit à faire dans Performing Colonial Toxicityqui se trouve maintenant à Londres après quatre mois de succès aux Pays-Bas, est de donner des noms et des visages à des individus spécifiques qui ont été négligés pendant trop longtemps. Et en révélant viscéralement les effets des machinations du pouvoir d'un colonialisme pernicieux, elle a peut-être aussi tiré la première salve d'une bataille en faveur d'une justice réparatrice pour l'Algérie.
- Malu Halasa
Le désert d'Azza
En cours - 28 avril - Dubaï, EAU - plus d'infos
Nous suivons de près l'ascension fulgurante de l'artiste bijoutière, conceptrice de produits et sculptrice émiratie Azza Al Qubaisi, dont la dernière sculpture de forme organique se trouve dans le jardin de sculptures de la Bassam Freiha Art Foundation, récemment inaugurée à Abu Dhabi, aux Émirats arabes unis. Son utilisation du fer rouillé contraste fortement avec les finitions contemporaines de la fondation, entremêlant l'ancien et le nouveau, le naturel et l'urbain. "L'utilisation de matériaux qui puisent dans la palette de la terre est inspirée par les racines profondes de mon héritage", remarque l'artiste.
"Azza's Desert" (Le désert d'Azza) à la galerie d'art Khawla reflète l'inspiration de l'artiste, une artiste émiratie influencée par son environnement, de l'oasis et ses palmiers, magnifiques visuellement avec leurs propres motifs, à la fauconnerie, un hobby traditionnel très ancien, et à la façon dont elle s'est inspirée des faucons et des oiseaux houbaras dans ses magnifiques œuvres d'art abstraites, en passant par les dunes et la façon dont elle dépeint le mouvement du sable d'une manière très gracieuse.
L'école d'art de Casablanca : Plateformes et modèles pour une avant-garde postcoloniale (1962-1987)
En cours - 16 juin - Sharjah, UAE - plus d'infos
Dans l'exaltation qui a suivi l'indépendance du Maroc en 1956, le personnel et les étudiants de l'école d'art de Casablanca (CAS) ont fomenté une révolution artistique. Ils ont intégré l'art abstrait aux traditions africaines et amazighes, en s'inspirant des tapis, des bijoux, de la calligraphie et des plafonds peints de la région. En déclarant un nouvel art pour le Maroc issu de l'héritage afro-amazigh, ils ont créé un soulèvement culturel qui s'est propagé dans l'avenir.
Cette exposition, qui se tient aux studios Al Hamriyah et au Old Al Diwan Al Amiri à Sharjah, aux Émirats arabes unis, explore la vision distincte d'un Maroc au lendemain de son indépendance en 1956, sous l'impulsion de cinq artistes et professeurs influents de l'école d'art de Casablanca : Farid Belkahia, Mohammed Chabâa, Bert Flint, Toni (Antonella) Maraini et Mohamed Melehi. L'exposition se rend à Sharjah après avoir été présentée à la Tate St Ives en collaboration avec la Sharjah Art Foundation.
L'exposition présente des œuvres créées par une constellation (plutôt qu'un groupe strict) de 21 artistes activistes, notamment des peintures abstraites, des peintures murales urbaines, des typographies, des graphismes et des designs d'intérieur, ainsi que des archives d'imprimés, des journaux anciens, des photographies et des films rarement vus. L'exposition est organisée par Morad Montazami et Madeleine de Colnet pour Zamân Books & Curating, avec Hoor Al Qasimi, directeur de la Sharjah Art Foundation, Mai Alqaydi, conservatrice adjointe de la Sharjah Art Foundation, et les chercheuses associées Fatima-Zahra Lakrissa et Maud Houssais.
Dining with the Sultan : the Fine Art of Feasting (Dîner avec le sultan : l'art du festin) en cours au Los angeles County Museum of Art, jusqu'au 4 août 2024 - plus d'info
L'exposition nous donne faim Dining with the Sultan : the Fine Art of Feasting (Dîner avec le sultan : l'art du festin)au Los Angeles County Museum of Art jusqu'au 4 août 2024, tout comme al-Musktafī l'a été par les récitations de ses courtisans. Dans notre cas, un estomac qui gargouille est provoqué par des objets dans des vitrines, pas par des poèmes. Autour de certains d'entre eux danse une aura qui tient moins à leur caractère irreproductible qu'à la combinaison de leur ancienneté et de leur éminente cassabilité. Lisez notre critique de l'exposition.
Exposition "Tissus sympoétiques" de Charbel Samuel Aoun
En cours - 25 août 2024 au Musée Sursock, Beyrouth - plus d'info
Sympoietic Fabrics est la première exposition individuelle institutionnelle de l'artiste Charbel Samuel Aoun. Sympoétique" est un terme utilisé par Donna Haraway pour désigner le processus de création collective ou de fabrication en commun. Il souligne la nature relationnelle et interdépendante de l'existence et appelle à une nouvelle politique d'écoute de la vie qui se déploie autour de nous.
L'exposition met en lumière l'engagement unique de l'artiste dans les processus de co-création et présente de nouvelles productions qui donnent vie à la terre, aux pierres, au bois et à la cire par le biais de moteurs, d'amplificateurs et de microphones. Outre des installations, des peintures et des dessins, l'exposition est complétée par une documentation vidéo des précédentes performances et installations d'Aoun, réalisées in situ.
