La Tate s'ouvre au Maroc avec l'école d'art de Casablanca

Ives, en Cornouailles, a inauguré une exposition à grand spectacle venue tout droit du Maroc, organisée par Morad Montazami de la Tate Modern et Madeleine de Colnet pour Zamân Books & Curating, en collaboration avec Anne Barlow, directrice de la Tate St Ives, et la Sharjah Art Foundation.

 

Sophia Kazan Makhlouf

 

Pourquoi L'école d'art de Casablanca à St. Ives ? Quel peut être l'intérêt d'une école d'art marocaine ouverte pendant l'occupation française du Maroc, avec ses couleurs vives et glacées des années 1960 et 1970, pour les visiteurs de la Tate de Cornouailles ? Certes, sur le papier, l'avant-poste colonial nord-africain de la prestigieuse École des Beaux-Arts de Paris est curieusement juxtaposé aux travaux antérieurs de la communauté moderniste de St. Ives, réalisés par Patrick Heron, Roger Hilton, Peter Lanyon, Barbara Hepworth, Ben Nicholson, Bryan Winter, Wilhelmina Barns-Graham et Sir Terry Frost, qui ont prospéré à partir des années 1930 et 1940. Pourtant, Barlow, qui a participé à de nombreuses expositions et récompenses internationales et biennales, notamment au pavillon letton de Kaspars Podnieks et Krišs Salmanis à Venise en 2013, avec des œuvres abordant l'identité et la représentation, exprime au spectateur comment les deux histoires rejettent les modes traditionnels de la peinture.

Les marques de modernisme de St. Ives et de Casablanca explorent des approches passionnantes et nouvelles de la couleur et de la représentation, basées sur le paysage et l'histoire. Ives se délectent de la lumière côtière brillante du West Penwith, des falaises et des promontoires, tandis que les artistes de Casablanca s'inspirent des symboles et des croyances tribales amazighs qui ont précédé l'occupation du pays par les Français et l'occupation islamique antérieure. Ces symboles reflètent le paysage et renvoient à des croyances africaines profondément enracinées.

Les œuvres de l'exposition de l'école d'art de Casablanca sont nombreuses et variées. Elles comprennent un éventail de peintures, de céramiques, de photographies de bijoux tribaux amazighs, ainsi que des séquences de films des années 1960 et 1970, des maquettes d'architecture, des textiles tissés et des affiches imprimées, dont beaucoup proviennent de la collection de la Tate. Des œuvres provenant de la succession d'artistes tels que l'artiste et éducateur Farid Belkahia, directeur de l'école de 1962 à 1974, Mohammed Chabâa et Mohamed Meleh, qui ont rejoint l'école en tant qu'enseignants en 1966 et 1964 respectivement. L'exposition présente également, sur un mur entier recouvert de couvertures de magazines et de dessins, des exemples de la revue culturelle révolutionnaire Souffles d'Abdelatiff Laâbi, à laquelle de nombreux artistes de l'école ont contribué. La revue a été interdite en 1971 pour "délit d'opinion" et Laâbi a été emprisonné, mais ce défi semble également se refléter dans l'art de St. Ives, qui était un creuset de défi et de croyances artistiques socialistes, car les artistes fuyant la Seconde Guerre mondiale et le fascisme en Europe cherchaient un peu de réconfort à St.

L'exposition de St. Ives se concentre sur la gestion et la réforme de l'école par Belkahia à partir du début des années 1960. Issue d'une famille marocaine aisée, Belkahia a fréquenté les Beaux-Arts de Paris, notamment parce que l'équivalent marocain n'accueillait pas d'étudiants marocains ou féminins dans ses salles de cours. Les formes d'art et d'artisanat traditionnelles marocaines étaient considérées comme naïves et simplistes par rapport au grand art de l'atelier de peinture. Belkahia, qui avait été habituée aux attitudes libérées de la vie étudiante parisienne et était également familière de la considération holistique du Bauhaus pour l'art, l'architecture, l'artisanat et le design en tant qu'éléments d'une nouvelle culture visuelle artistique, était déterminée à rompre avec le passé et à supplanter l'approche élitiste et occidentale de l'école en matière d'art. Sous la direction de Belkahia, les Beaux-Arts ont élargi leur public en admettant des Marocains et des étudiantes et en embrassant une vague postcoloniale de conscience civile et d'autonomisation régionale au Maroc. Avec les nouveaux professeurs Toni Maraini et Mohammed Melehi, Belkahia organise une exposition en plein air intitulée Présence Plastique, sur la place la plus populaire de Marrakech, la place Djema Al Fna. Il espérait ramener l'art contemporain au peuple et au centre de la culture visuelle marocaine.

Belkahia a compris l'importance d'enseigner non seulement les beaux-arts, mais aussi l'anthropologie et l'histoire de l'art. Il a travaillé avec le collectionneur et anthropologue Bert Flint. Flint a passionnément remonté les motifs et les objets tribaux jusqu'à leurs sources désertiques dans les régions d'Afrique du Nord et de l'Ouest, en voyageant parmi les Amazigh, les Touareg et d'autres tribus. L'art faisait partie intégrante de la culture marocaine après l'indépendance et l'éthique de l'école d'art de Casablanca tournait autour de la création d'une nouvelle identité marocaine unifiée. Outre l'exposition de Marrakech en 1969, Belkahia a donné la priorité à la diffusion de l'art dans les écoles et, de cette manière, il a également défini le rôle des artistes dans la société et dans la vie publique.

La convergence de l'art, du graphisme, de l'architecture, du tissage et de la céramique s'écarte des modèles artistiques occidentaux et l'exposition présente trois de ses propres œuvres. L'obsédant "Cuba Sí"(1961) est peint à l'huile en couche épaisse sur du papier posé sur du contreplaqué. Elle évoque les intentions indépendantes et la détermination de Belkahia dans la forme simpliste de la figure, sa pose et ses bras tendus qui expriment une satisfaction dans son propre sens de l'être. Le titre reflète le soutien de l'artiste à la résistance cubaine à l'occupation américaine lors de la crise de la Baie des Cochons au début de l'année. "Cuba Sí" utilise des couleurs terreuses qui sont appliquées relativement grossièrement pour évoquer une application basique et intentionnelle de la forme. Elle rappelle d'autres œuvres de l'artiste, peintes à l'aide de pigments indigènes tels que le henné, le safran et le sumac sur des toiles en bois non traité ou en peau d'animal. Belkahia met en place une marque nouvelle et authentique de l'art marocain, des matériaux et du vocabulaire des formes.

Une section entière de l'exposition sur l'inspiration amazighe de l'école a été soutenue par les recherches du linguiste et collectionneur néerlandais Bert Flint. Des formes géométriques, parmi lesquelles des motifs de triangles, de cercles et de rectangles, peuvent être identifiées dans des photographies de bijoux tribaux, de colonnes de bois peintes et d'un épais tapis amazigh, qui évoquent les formes naturelles, les animaux et les croyances spirituelles des tribus nomades de la région de l'Afrique de l'Ouest. Ces éléments ont été repris dans les peintures abstraites et les objets d'art qui tapissent les murs de la galerie pour la suite de l'exposition. Les formes attrayantes et traditionnelles des Amazighs sont reprises par une grande variété d'artistes à travers le monde arabe, à mesure que l'influence de l'école d'art de Casablanca et son message ouvert d'inclusion et d'autonomisation s'accroissent. Les formes zoomorphes et prophylactiques de l'imagerie touareg et les motifs ondulatoires hérités de l'art islamique iconoclaste ont trouvé un nouveau souffle dans les œuvres abstraites et graphiques des artistes de l'école d'art de Casablanca.