Un spectacle traverse 400 ans d'histoire, examinant les origines coloniales souvent négligées du changement climatique, renouant avec les connaissances et la sagesse indigènes dans le sud de la planète et soulignant la responsabilité de l'humanité les uns envers les autres par-delà les frontières.
Hassan Abdulrazak
Cet été, le théâtre du festival britannique Shubbak, "Une fenêtre sur les cultures arabes", est tourné vers le monde entier, avec notamment plusieurs productions sur le thème de la terre.
Selon le philosophe français Alain Badiou, le monde peut être divisé en "sociétés avec théâtre et d'autres sans". Il affirme que le théâtre a "généralement échappé à l'Islam", et nuance son exception par le mot "généralement" pour tenir compte des "drames sacrés par lesquels le chiisme iranien a conféré la Présence à son martyr fondateur". Ce que Badiou ignore, ce sont les conteurs oraux qui proposent des interprétations dramatiques de textes islamiques et qui, selon le professeur Marvin Carlson dans son ouvrage intitulé Théâtre et Islamont été enregistrés dès 650, moins de 20 ans après la mort du prophète Mahomet. Que l'on soit du côté d'Alain ou de Marvin n'a pas beaucoup d'importance aujourd'hui, car il est indéniable que le théâtre est bien vivant dans le monde arabe multiculturel et multiconfessionnel, d'où l'islam est originaire.
Cela est évident si vous assistez à Shubbak, le plus grand festival biennal de culture arabe contemporaine du Royaume-Uni, qui présente des spectacles internationaux ainsi que des talents britanniques. Outre le théâtre, on y trouve de la danse, des arts visuels, de la littérature, de la musique et des films.
"Pourquoi faisons-nous de l'art ?", telle est la question à laquelle Alia Alzougbi, codirectrice artistique du festival avec Taghrid Choucair Vizoso, a été confrontée alors qu'elle mettait la dernière main au programme de cette année. Pour Alia, la réponse est l'engagement dans un monde post-Covid avec des questions sismiques telles que le changement climatique, la misogynie, le racisme et d'autres sujets d'intérêt mondial. Le festival offre au public britannique la possibilité de jeter un regard neuf sur ces sujets à travers un prisme arabe.
En tant que dramaturge, j'ai participé aux éditions précédentes et je ferai une lecture de ma nouvelle pièce dans le cadre du festival de cette année. Dans cet article, je vous donnerai un aperçu des représentations théâtrales auxquelles vous pouvez vous attendre.
Acte 1 : L'état du monde
Ce que le chien a dit à la moisson est une performance féroce qui fusionne l'opéra, la danse, la parole et le cinéma en un spectacle captivant sur la justice climatique. Dirigé et composé par Jasmin Kent Rodgman, écrit et codirigé par lisa minerva luxx, le spectacle a été conçu à partir de recherches rigoureuses et de la contribution d'activistes et de réseaux locaux en Syrie, au Liban et au Royaume-Uni.
La partition envoûtante de Rodgman et l'essai oral poétique de Luxx traversent 400 ans d'histoire, examinant les origines coloniales souvent négligées du changement climatique, renouant avec les connaissances et la sagesse indigènes dans le sud de la planète et soulignant la responsabilité de l'humanité les uns envers les autres par-delà les frontières.
Dans le cadre d'un film documentaire et d'une installation sonore, avec une chorégraphie austère mais saisissante et des mouvements musicaux hurlants qui traversent l'espace de la performance, nous sommes introduits à la critique viscérale de Francis Bacon et de René Descartes, dont les écrits sont à la base de la science et de la philosophie occidentales, et nous passons aux témoignages des habitants du Sud pour qui le changement climatique, causé en partie par l'impérialisme de l'Occident, est une réalité actuelle plutôt qu'une perspective future (et une réalité qui se trouve déjà à la porte de l'Occident). Le spectacle établit également, de manière intelligente et subtile, des parallèles entre la violence que l'homme a exercée sur la planète et la violence que les hommes blancs ont exercée sur la majorité mondiale.
Woman at Point Zero est un opéra multimédia inspiré du roman phare de Nawal El Saadawiportant le même titre. La compositrice Bushra El-Turk a été profondément touchée par ce roman et a su qu'elle voulait l'adapter sous forme d'opéra. Le roman raconte l'histoire de Firdaus, une femme emprisonnée pour le meurtre d'un homme qui attend son exécution. Elle se confie à une chercheuse (basée sur Nawal) sur l'histoire de sa vie, qui fait état d'abus systématiques de la part d'hommes, dont certains sont des membres de sa famille, ce qui l'a conduite à travailler dans l'industrie du sexe. Cependant, la femme est loin d'être une simple victime, car elle a un certain pouvoir sur sa vie et ses choix. Bushra souhaitait examiner la question que pose le roman, à savoir si l'on peut être plus libre à l'intérieur d'une prison qu'à l'extérieur, en faisant en sorte que cela se reflète dans la musique. "Lorsqu'une mélodie est limitée dans sa liberté de mouvement, tous les autres paramètres musicaux deviennent soudain beaucoup plus importants. Ce qui se passe entre les notes est la chose la plus importante pour moi. C'est là que se trouve la liberté.
La metteuse en scène Laila Soliman, en collaboration avec la scénariste Stacy Hardy, a actualisé l'histoire pour la rendre plus proche du présent. Laila décrit l'opéra comme "docufictif", car il intercale l'histoire de Nawal avec des fragments de documentaires audio sur les prisonnières égyptiennes réalisés par la cinéaste Aida el Kashef. Firdaus devient Fatima dans l'opéra et son interlocutrice est Sema, une cinéaste. L'interaction entre les deux femmes constitue le moteur dramatique de l'opéra qui, tout en restant fidèle aux racines égyptiennes de l'histoire, parvient à résonner au-delà des frontières de ce pays en examinant la dynamique du pouvoir entre les femmes et les hommes. Comme le dit Laila Soliman : "En Europe, la misogynie est moins visible, mais elle est toujours là".
IMEDEA est aussi l'histoire d'une femme tueuse, l'une des plus célèbres de la littérature. Dans la version de Sulayman Al Bassam, Médée est une actrice arabe au franc-parler qui vit à Corinthe, un État européen laïque, et se heurte à son dirigeant Créon ainsi qu'à son mari Jason au sujet du sort des réfugiés qui fuient vers Corinthe et qui sont désormais traités comme des "migrants illégaux".
"Médée est à la fois la migrante fugitive et l'étrangère barbare", comme Sulayman me l'a décrite dans un échange de courriels. "Lorsqu'elle est confrontée à l'hypocrisie de Jason, qui rompt son serment, et aux mœurs sociales punitives de Corinthe, elle est amenée à se venger terriblement de la société qui l'entoure. Sulayman a été attirée par l'histoire parce que "Médée, en plus d'être une exploration de la rébellion contre les formes de patriarcat colonial, est aussi une étude brillante de l'acrimonie et de l'agonie du divorce". Médée est interprétée par la collaboratrice de longue date de Sulayman, l'actrice et chanteuse franco-syrienne Hala Omran, que l'on a vue pour la dernière fois sur la scène londonienne dans la pièce Two Palestinians Go Dogging, acclamée par la critique, dans laquelle elle apportait une calme intensité au rôle. IMEDEA dérange par son imagerie brutale et sa partition musicale interprétée par le duo électro-acoustique libanais "Two, Or the Dragon". Il expose le fossé entre les idéaux européens autoproclamés et la réalité des politiques menées par les gouvernements européens.
Une critique de l'Occident et de sa façon de traiter les Arabes est vitale et nécessaire. Toutefois, cela ne doit pas se faire au détriment des problèmes du monde arabe lui-même. Colette Dalal Tchantcho est une actrice et metteuse en scène koweïtienne et camerounaise dont le spectacle Rêveur est un spectacle semi-autobiographique sur trois femmes noires dans la société arabe. Elle confronte les choix et les défis auxquels elles sont confrontées alors qu'elles naviguent dans un monde qui peut être aussi bien hostile que joyeux. Ayant grandi au Koweït, Colette avait l'impression de ne pas avoir beaucoup d'influence par rapport, par exemple, aux Afro-Américains qu'elle regardait à la télévision. Elle a fini par quitter le Koweït et s'est installée à Londres. "Au Koweït, j'étais aussi camerounaise que mon père. Mais à Londres, où il y a tant de communautés diasporiques noires africaines, je ne pouvais pas m'identifier. Je ne parlais pas beaucoup le français, j'étais allé au Cameroun une poignée de fois et j'étais donc considéré comme un Arabe. Je me suis retrouvée à dire que j'étais koweïtienne ou 'arabe noire' pour refléter ma langue maternelle, la façon dont j'ai grandi, mes traditions, mes plats préférés". Malgré une carrière d'actrice réussie, apparaissant dans des séries telles que Domina (2021), The Witcher (2019) et Dangerous Liaisons (2022), elle n'a pas encore été choisie pour jouer un rôle d'Arabe. Dreamer est un correctif à cette invisibilité. Elle reflète une expérience noire variée et texturée qui a longtemps été réduite au silence et cachée.
Acte 2 : Identités floues
Dans les éditions précédentes du festival Shubbak, il y avait souvent une distinction claire entre les artistes de théâtre vivant et travaillant dans le monde arabe et ceux de la diaspora. Dans le festival de cette année, cette distinction est beaucoup plus floue. Le travail de bon nombre des artistes présentés s'inspire d'influences diverses et s'adresse à de multiples communautés. Dans le cas de l'artiste suivant, l'œuvre est née dans un endroit, a voyagé dans un autre et est revenue sous une forme différente.
Hannah Khalil est l'une des dramaturges les plus en vue et les plus prolifiques travaillant aujourd'hui en Grande-Bretagne. Elle a connu un énorme succès avec sa pièce A Museum in Baghdad, produite par la Royal Shakespeare Company en 2019, et a été le premier dramaturge à présenter trois pièces presque simultanément au Globe Theatre l'année dernière. En 2016, sa pièce Scenes from 68* Years a été jouée à guichets fermés à l'Arcola Theatre et a contribué à asseoir la réputation d'Hannah.
Le * du titre indique le nombre d'années écoulées depuis la création de l'État d'Israël en 1948. Comme le titre l'indique, la pièce présente des scènes, certaines liées, d'autres non, qui illustrent la vie des Palestiniens. Sa force réside dans le fait qu'elle n'est pas didactique mais plutôt médico-légale dans son examen du conflit israélo-palestinien. Depuis, Hannah a retravaillé la pièce pour une production en Tunisie que le festival Shubbak présente aujourd'hui à Londres. "Cette nouvelle production est très excitante parce qu'il s'agit vraiment d'une nouvelle pièce", déclare Hannah. "Elle comporte six nouvelles scènes que j'ai écrites spécifiquement pour cette version, et qui évoquent l'expérience tunisienne du soulèvement et de la protestation. La pièce est jouée en trois langues : Elle est jouée en trois langues : le tunisien, le français et l'anglais, avec des acteurs tunisiens et un acteur d'origine arabe basé au Royaume-Uni. Chris White, qui a mis en scène la première à l'Arcola, codirige cette réimpression véritablement collaborative avec Ghazi Zaghbani, qui a également traduit la pièce".
Cette nouvelle production s'intitule Trouf : Scènes de 75* ans."Trouf", explique Hannah, "signifie fragments en tunisien, mais a une double signification, plus sombre, à savoir qu'il s'agit de quelque chose de cassé qui ne peut être reconstitué... Il est d'autant plus poignant que cette pièce sur la vie sous l'occupation soit produite à Shubbak en ce 75e anniversaire de la Nakba palestinienne en cours".
La terre de Palestine est célèbre pour ses olives qui, comme le dit l'homme de théâtre Elias Matar, peuvent être amères ou douces, comme les histoires. Depuis près d'un an, il anime des ateliers de narration avec des membres de la communauté arabe de l'ouest de Londres (originaires du Liban, de Syrie, de Palestine, d'Irak, d'Arabie saoudite et d'Algérie). Olive Jar à partir d'histoires personnelles. "Olive Jar n'est pas seulement un spectacle, c'est une invitation à participer à quelque chose de vraiment spécial", explique Elias. "C'est l'occasion de se réunir, de se faire de nouveaux amis et d'être inspiré pour ouvrir ses propres bocaux et partager ses histoires. Chaque répétition se termine par un repas, au cours duquel tous les participants se retrouvent autour de la table pour se servir mutuellement des falafels ou des mudammas immondes et critiquer les recettes des uns et des autres. Le spectacle aura lieu à Grand Junction, dans une superbe église victorienne classée Grade 1.
From the Daughter of a Dictatorécrite et interprétée par Yasmeen Audisho Ghrawi, soulève la question suivante : et si vivre dans une démocratie ne devenait pas différent de vivre dans une dictature ? La pièce retrace le parcours personnel de Yasmeen, de Bagdad à la Grande-Bretagne, en passant par Beyrouth et Berlin. Diplômée en sciences politiques, en relations internationales et en anthropologie, Yasmeen a commencé à s'immerger dans le monde des organisations de défense des droits de l'homme, mais elle s'est vite rendu compte qu'elle pourrait mieux utiliser ses talents en présentant ses idées sous la forme d'une comédie. Elle a suivi une formation d'artiste physique et a fait du stand-up aux côtés d'artistes tels que Jessica Fostekew et Nish Kumar. Sa pièce From the Daughter of a Dictator a d'abord été présentée en tant que travail en cours au festival Today I'm Wiser de l'Arcola Theatre en 2021 et sera maintenant présentée pour la première fois au Lowry de Salford et au Theatre Technis de Londres.
En tant qu'amateur de nouvelles, qui ont été ma voie vers l'écriture théâtrale, je pense que la forme condensée est idéalement adaptée au théâtre. Dans ma nouvelle pièce, Les chambres du cœurqui fera l'objet d'une lecture scénique au festival, je présente quatre nouvelles de femmes originaires de diverses régions du monde arabe confrontées à l'amour, au désir et à la mémoire. Ces femmes sont à cheval sur deux mondes (ou plus) et doivent forger leur identité dans la tension que crée un tel positionnement. La pièce est interprétée par Laila Alj, qui est marocaine, française et britannique, et mise en scène par Sepy Baghaei, qui a grandi en Australie et est d'origine iranienne.
Acte 3 : Comédie, acrobatie et avenir du théâtre
From the Daughter of a Dictator et Chambers of the Heart ont des touches comiques, mais si vous êtes un mordu de comédie et que vous avez envie de standup pur, le festival de cette année propose d'excellents numéros. Parmi eux, citons L'enfer s'est déchaîné interprété par Shaden Fakih, le premier humoriste ouvertement homosexuel du monde arabe, dont le standup est aussi audacieux qu'hilarant. Décrivant les actrices de films romantiques : "Quand elles arrivent, elles ont l'air angélique. Moi, je ressemble à L'Exorcisme d'Emily Rose". Son humour plein d'autodérision et ses observations acerbes sur les différences culturelles entre l'Orient et l'Occident lui vaudront de nouveaux fans au Royaume-Uni. Le spectacle sera joué en arabe, sans sous-titres. Double Bill : No Cheri / Mia Chara est interprété par les comédiens palestiniens Sharihan Hadweh (en arabe sous-titré en anglais) et Manal Awad (en anglais). No Cheri de Sharihan a pris d'assaut la Cisjordanie. En tant qu'artiste aveugle, elle exploite l'absurdité des déplacements en Palestine, avec ses routes pleines de nids-de-poule et ses trottoirs encombrés. Le spectacle est coécrit avec Manal Awad, qui jouera Mia Chara dans le même programme double. Manal est une actrice bien connue dont le dernier film, Huda 's Salon (2021), a été réalisé par Hany Abu-Assad, candidat aux Oscars.
Taroo
Said Mouhssine a grandi à Casablanca et a toujours été attiré par les sports extrêmes et les acrobaties sur la plage, comme beaucoup de jeunes. Cependant, lorsqu'on lui a montré des vidéos de parkour, il a d'abord eu trop peur de s'y essayer. Pourtant, ce sport l'a fasciné et il a fini par surmonter sa peur et a commencé à réaliser des cascades de parkour. Il a même participé à la création de la première association marocaine de parkour. Aujourd'hui, Said présente son spectacle Taroo à Londres, qui combine cirque, parkour, acrobatie, magie et manipulation d'un objet, une poubelle à roulettes (appelée "Taroo" dans le jargon marocain). Le spectacle célèbre, par des cascades et de la comédie, ces éboueurs oubliés, souvent issus de l'immigration, qui étaient en première ligne pendant le Covid.
Enfin, je terminerai par un spectacle qui brouille les frontières entre le théâtre et le cinéma. Il s'agit de Pathogène de guerre de la réalisatrice Yasmin Fedda, qui propose une expérience immersive autour d'un mystérieux agent pathogène né sur les champs de bataille.
La riche variété des spectacles proposés fait mentir l'idée selon laquelle les Arabes n'ont pas de théâtre. L'idée selon laquelle le monde peut être divisé en sociétés avec théâtre et sociétés sans théâtre semble non seulement dépassée, mais aussi suivre une définition très étroite de ce qui constitue le théâtre. Ce qui rend les créateurs de théâtre arabes intéressants, ce n'est pas qu'ils s'inspirent uniquement de leurs propres traditions, ce qu'ils font, mais qu'ils entretiennent un dialogue vivant avec le monde. Ce festival ne s'adresse pas seulement aux Arabes, mais à tous ceux qui se sentent concernés par les sujets abordés dans les productions que j'ai décrites. Venez donc voir les spectacles, parler aux artistes, vous inspirer, vous engager, faire partie de l'événement. C'est ça le théâtre !
