Dans un entretien avec la commissaire Nadine Khalil, nous découvrons les artistes exposés à Dubaï dans le cadre de l'exposition I Can No Longer Produce the Limits of My Own Body (Je ne peux plus produire les limites de mon propre corps), présentée à la NIKA Gallery jusqu'au 24 février 2024.
Naima Morelli
Au milieu de la galerie NIKA Project, à Dubaï, se trouve une série d'objets incrustés d'une substance rouge ressemblant à du sang. Une chaise, une paire de chaussures et, derrière, plusieurs cadres. Sur le mur, une vidéo montre une femme sortant d'un grand vase, comme un petit poussin sorti d'un œuf.
Il s'agit d'une œuvre de Sara Niroobakhsh, une artiste iranienne qui travaille sur la performance et l'installation, principalement autour du thème de la psyché féminine. Le vase brisé exposant le corps à moitié nu de la performeuse est une image puissante de l'intimité brisée. Et c'est précisément la disparition d'une dimension intime qui est l'un des thèmes centraux de l'exposition "I Can No Longer Produce the Limits of My Own Body" (Je ne peux plus produire les limites de mon propre corps) à NIKA Projects Space à Dubaï, sous la direction de Nadine Khalil.
Le titre évocateur de l'exposition est inspiré d'une citation de Jean Baudrillard, tirée de son livre de 1987 intitulé L'extase de la communication: " C'est la fin de l'intériorité et de l'intimité, la surexposition et la transparence du monde qui le traverse sans obstacle. Il ne peut plus produire les limites de son être, ne peut plus se jouer ni se mettre en scène, ne peut plus se produire en miroir."
Khalil explique que son choix d'œuvres offre une vision subversive de la déclaration du sociologue français. "À l'heure où le génocide et les mutilations en Palestine sont diffusés en direct, je soutiens que le corps n'est pas singulier mais multiple, une forme fugitive qui s'inscrit dans des mondes non humains et naturels", explique Mme Khalil.
L'exposition de Dubaï illustre ce concept en présentant sept artistes - pour la plupart des femmes, pour la plupart originaires du monde arabe - qui travaillent sur le corps à l'ère de la technologie. Liane Al Ghusain, Mirna Bamieh, Isaac Sullivan, Dalia Khalife, Sara Niroobakhsh, Lilia Ziamou et Christiane Peschek sont autant d'artistes qui testent les limites physiques et conceptuelles du corps dans leur art.
Les corps au Moyen-Orient
Pour Khalil, l'exposition boucle la boucle de ses recherches sur le corps. Elle se souvient de sa première rencontre avec l'art féministe alors qu'elle était étudiante en anthropologie, âgée de 23 ans. La future conservatrice s'est retrouvée pour la première fois dans une exposition muséale à New York, intitulée Here is Elsewhere (Ici c'est ailleurs), organisée par Mona Hatoum. Elle se souvient de l'étonnement qu'elle avait éprouvé à l'époque en observant comment les expressions des luttes des femmes ailleurs entraient en résonance avec la propre sensibilité de Mona Hatoum, artiste palestinienne diasporique.
"Je me souviens encore de ce que j'ai ressenti à l'intérieur de mon corps lorsque j'ai appréhendé les œuvres de Cindy Sherman et de Kiki Smith traitant de la sexualité et du corps politique, et en particulier les Variations cosmétiques faciales d'Ana Mendieta", dit-elle. "C'est un moment qui m'a fait sortir de moi-même et m'a permis de développer une sensibilité spatiale à l'égard de l'art et de ce qu'il peut faire à un niveau viscéral.
Mais ces œuvres liées aux politiques du corps peuvent-elles être exposées au Moyen-Orient comme elles le sont dans le monde occidental ? Selon l'écrivain et activiste Shereen El Feki, auteur du livre Sex and the Citadel, le monde arabe, bien que très diversifié, se caractérise par trois grands thèmes tabous : la politique, la religion et le sexe : "Où que vous soyez dans la région arabe, vous vous trouvez quelque part sur ce spectre de l'interdit", écrit-elle. "Les autorités religieuses, laïques et politiques ont utilisé le sexe comme outil de contrôle social à travers les âges. Les détenteurs du pouvoir ont toujours cherché à contrôler la sexualité féminine parce qu'elle est essentielle à la reproduction", a expliqué l'auteur dans une interview accordée à l'occasion de la sortie du livre.
Mais c'est précisément en raison de ces frontières et de ces normes culturelles que le corps constitue la lentille idéale pour examiner le paysage social complexe de la région. Et l'art est le moyen idéal pour articuler les réflexions autour du corps.
Nadine Khalil note que lorsqu'il s'agit d'aborder le corps et les récits centrés sur le corps à travers l'art, ce qui peut être considéré comme "radical" dans la région est très varié, allant du plus explicite et politique (par exemple dans le Levant) au beaucoup moins dans le Golfe.
Le commissaire a engagé des conversations avec tous les artistes de l'exposition, en tenant compte du contexte. "Le plus souvent, nous avons cherché à repousser les limites, à y répondre, toujours avec ouverture et respect, plutôt que de nous allier à une idéologie bien ancrée", explique Lilia Ziamou, artiste participante.
Les transformations du corps
Artiste interdisciplinaire grecque et américaine basée à New York, avec une expérience dans les domaines de l'innovation, de la technologie et du design, Ziamou s'est toujours intéressée au physio-biologique et au numérique transformateur.
"Dans mon travail, j'entremêle le concret et l'imaginaire, l'évidence d'une anatomie et la dynamique d'une superposition technologique", explique-t-elle. Je ne considère pas le corps comme la somme de ses limites, mais comme une entité multiple et illimitée, qui "incarne" librement ses potentialités.
Son travail comprend des sculptures, des installations, des photographies, des peintures numériques et des dessins numériques. Dans l'exposition de Dubaï, elle présentait une série de dessins intitulée The Bone as Flesh, où de délicats dessins numériques jouent sur l'ambiguïté : est-ce de la chair tendre que nous recherchons ? Ou des os durs ? Est-ce le désir ou la mort qui sont évoqués ?
L'artiste semble poser la question : Qu'est-ce qui est essentiel au corps ? L'essence exige-t-elle que quelque chose reste inchangé à travers le temps, ou ses composants peuvent-ils se plier et se transformer à mesure que le corps entre dans de nouveaux contextes ? "Dans ma pratique artistique, j'utilise des technologies avancées pour recontextualiser ce qui fait qu'un corps est lui-même ou n'est pas lui-même, ou à la fois lui-même et n'est pas lui-même", explique-t-elle.
La modification du corps par la technologie moderne est également au cœur des images abstraites de Christiane Peschek, une artiste de l'exposition qui déconstruit le concept de l'homme blanc occidental de la raison. Ses images peuvent être interprétées comme des amas de chair ou des nuages, et explorent la signification de l'intimité dans l'interaction entre l'homme et la technologie. Son processus consiste à retoucher des selfies en utilisant des filtres et des outils d'auto-optimisation. Après avoir été optimisée de manière excessive, en appliquant plus de 400 filtres, l'image finale s'évanouit, devient floue.
"Je pense qu'il est essentiel d'être flou et indéfini dans une société d'hyperdéfinition et de surexposition", explique-t-elle. "Avec mon travail, j'observe l'abîme et les possibilités d'un mode de vie entrelacé en ligne."
Histoires intimes pour le monde arabe
Dans son choix d'artistes, Nadine Khalil explique qu'elle était intéressée par des œuvres qui incarnaient la performativité dans la région dans laquelle elle est immergée et qui est tournée vers l'extérieur. Elle admet que l'exposition présente des perspectives essentiellement féminines, mais les œuvres de I Can No Longer Produce the Limits of My Own Body ne concernent pas le corps sexué en tant que tel. D'après la déclaration de la commissaire, "elles adoptent plutôt un point de vue postérieur à la guerre : "Elles adoptent plutôt une perspective post-humaine d'enchevêtrement et de fluidité et interrogent la notion de limites en créant des architectures uniques et spécifiques d'occupation de l'espace, qu'il s'agisse de construire une cuisine pour la fermentation ou de créer les manifestations matérielles du chagrin."
Dans la première, Khalil fait spécifiquement allusion à une œuvre immersive spécialement commandée pour l'exposition, "Sour Things : The Kitchen" de l'artiste palestinienne Mirna Bamieh avec une composition sonore réalisée en collaboration avec l'artiste émirati Isaac Sullivan, intitulée "Open Your Mouth", dans laquelle il multiplie les textes et les voix de l'artiste pour créer une subjectivité polyphonique.
"Ses composants positionnent la fermentation pour aiguiser les sens, entrant et sortant des versets, rendant les sens plus aiguisés, et l'écoute plus adaptée et applicable", explique l'artiste. "'Sour Things' fait référence à la multiplicité des significations des sensations gustatives produites par les acides et les caractéristiques des aliments, telles que 'sour' qui peut également être utilisé pour décrire l'expression du visage, l'odeur de l'haleine, ou le sentiment que l'on éprouve face à l'issue indésirable d'une situation particulière.
En ce sens, le corps est absent, mais il se transforme en cuisine : "Le corps devient une scène de crudité, dans laquelle la révélation et l'aveu sont construits : suralimentation, dévoration d'une part, préservation, transformation et décomposition d'autre part", poursuit Bamieh. "L'excès révélera son aigreur si l'on regarde suffisamment longtemps.
L'organe politique
Khalil constate qu'aujourd'hui les corps individuels et collectifs sont surexposés, médiatisés et mis en circulation par les réseaux d'information.
L'artiste palestino-koweïtienne Liane Al Ghusain, dont la recherche artistique s'articule autour des domaines du mysticisme, du féminisme, du post-colonialisme et de la science-fiction, a réalisé une œuvre qui traite de cette idée.
Pour l'exposition, elle a créé 29 amulettes d'argile cousues pour chacune des femmes palestiniennes emprisonnées dans les prisons illégales de l'occupant à partir de janvier 2023. "Il s'agit d'une réponse aux conditions de vie des prisonnières politiques qui, bien qu'elles soient moins soumises à la torture que les prisonniers, sont attachées aux lits d'hôpitaux par les mains et les pieds lorsqu'elles accouchent", explique l'artiste.
Les amulettes sont fabriquées en grès rose et représentent des utérus abstraits. Une série de lettres et de chiffres sont gravés à l'intérieur des utérus ; ils ont été insérés avec des morceaux de papier, afin d'imiter les anciens rituels d'envoûtement pour la protection de la Palestine et des régions avoisinantes. Chaque amulette contient l'un des noms des prisonnières et est reliée par un fil teint à l'oxyde de fer et noué à la main.
La connexion intime avec nous-mêmes
L'exposition "I Can No Longer Produce the Limits of My Own Body" ne nous donne pas de réponses faciles, mais suscite plutôt des questions différentes - et difficiles : "Avec cette exposition, j'interroge les limites de nos corps émotionnels, technologiques et environnementaux", explique Khalil. "Les artistes semblent se demander comment trouver des langages pour le corps, qui à son tour collabore avec l'IA, les bactéries vivantes et le mouvement.
Dans son processus de conservation, Mme Khalil constate que ce sont les œuvres d'art et les artistes qui lui apprennent, et non l'inverse : "Je pars toujours de la base, en considérant les pratiques artistiques comme la principale source de recherche et de théorie", explique-t-elle. "Dans l'exposition, vous trouverez des artistes qui commentent les structures et l'effondrement au Liban et en Palestine, mais aussi des histoires très personnelles sur la corporalité, les soins, l'épuisement et la façon de faire le deuil d'une mère.
"J'ai cherché des œuvres qui représentaient et signifiaient cette quête de l'altérité à l'intérieur de nous-mêmes, un sens de l'être-au-monde qui était enchevêtré et hybride", dit-elle. "Je m'intéresse à une notion d'incarnation qui met en évidence l'infiltration entre les catégories bioculturelles.
En ce sens, l'œuvre performative de Dalia Khalife nous donne un dernier aperçu qui résume l'exposition. Il s'agit d'une performance ayant pour toile de fond son avatar numérique grandeur nature, qui explore la sueur en tant que condition politique et paradoxale. Dans ses mouvements, l'artiste incarne l'extrémité des états d'extase, d'abjection, d'exaltation et de chagrin.
Dans ces états où nous testons les frontières et les limites physiques de notre propre corps, nous pouvons peut-être atteindre une véritable connaissance de notre substance humaine, une clé de l'intimité. Une intimité, une proximité avec nous-mêmes.
