Cette exposition se trouve à Mimosa House, à Londres, jusqu'en décembre 2024. Elle aborde ces questions urgentes, pressantes et non résolues auxquelles sont confrontées les femmes, les personnes queer et les personnes trans à travers le monde. Son itération est transféminisme Chapitre II : Imaginations radicales 15 mai-29 juin 2024.
Fari Bradley
Le titre provocateur transféminismes [sic] révèle une série d'expositions, chacune étant un "chapitre". Le premier, "Activisme et résistance", présente des œuvres impliquant une forme de protestation privée ou publique, réalisées par des artistes confirmés ou émergents. Zainab Fasiki, Kyuri Jeon, Alex Martinis Roe, Fatima Mazmouz, Ada Pinkston, Bahia Shehab et Lorena Wolffer sont pour la plupart exposés au Royaume-Uni pour la première fois, avec des œuvres allant de photographies d'interventions et de performances à des graffitis de protestation virale, des manifestes, des vidéos et des œuvres murales. Les thèmes de l'exposition sont la liberté d'expression, la liberté sexuelle et reproductive, l'égalité et l'émancipation de la violence étatique et de la colonisation occidentale. Tous ces thèmes cherchent un espace dans l'arène publique pour s'opposer aux idées fixes qui confinent l'autre sexué.
Organisées par Christine Eyene, Daria Khan, Jennifer McCabe et Maura Reilly, les séries s'attaquent à l'idée toujours plus large et plus personnelle de ce que pourrait être le féminisme et, en fait, la féminité. Daria Khan souligne que tous les artistes de l'exposition ne s'identifient pas comme des femmes :
Elles incarnent un féminisme inclusif et diversifié, d'où le pluriel "transféminismes" dans le titre de l'exposition. Au fil de cinq chapitres, l'exposition se déploie, permettant au public de cultiver sa propre compréhension de ce que signifie le féminisme. Les œuvres présentées abordent les thèmes des soins, de la résistance collective, de l'imagination radicale, du travail sous-évalué et des droits humains fondamentaux, tout en soulignant la nécessité d'un combat permanent.
Le féminisme fait l'objet d'une redéfinition constante. Il est tout de même étrange que les problèmes des femmes soient considérés comme "urgents". La plupart du temps, les femmes mettent leurs propres problèmes en veilleuse, les considérant comme faisant simplement partie de la "vie". D'une manière générale, les transsexuels et les "autres" sexués considèrent souvent des problèmes plus importants comme "urgents" par rapport aux leurs. Pourtant, l'exposition souligne à juste titre que les femmes souffrent et meurent à cause du statu quo. Qu'elles perçoivent les défis et les dangers auxquels elles sont confrontées comme étant liés au genre ou non, le sentiment d'urgence est souvent obscurci par les perceptions d'échelle.
Transféminismes explore le microcosme et l'hyperlocal avec précision. Le film de Kyuri Jeon Born, Unborn and Born Again (2020) de Kyuri Jeon met en lumière le phénomène coréen de "l'année du cheval blanc", une croyance misogyne qui a contribué au meurtre des filles qui devaient naître cette année-là. Née elle-même pendant l'"année du cheval blanc", Jeon raconte comment elle a survécu à sa grossesse lors d'un appel avec sa mère, son récit personnel se déroulant pendant les mouvements de protestation en Corée du Sud qui ont finalement abouti à la décriminalisation de l'avortement en 2019.
L'éxposition illustre comment, en tant qu'"autre" sexué, une grande partie de ce qui est porté ou constitue un fardeau est hérité. Cet aspect est exploré à travers des photographies d'interventions autour de monuments publics, des journaux vidéo, des dessins et des collages, exprimant la manière dont les femmes sont les creusets dans lesquels le monde déverse ses cendres. Les femmes font le monde, elles sont brûlées par celui-ci, elles le regardent brûler et pourtant elles le font renaître des braises. Comment continuent-elles tout en résistant ?
Le thème majeur de ce chapitre est la résistance face à l'enfermement à la fois physiquement et en termes de valeur, la résistance aux abus et à l'oppression, au féminicide, à l'objectivation, à la rationalisation dans le corset étouffant des idéaux traditionnels de la beauté. Dans le cadre du thème de la résistance, l'exposition va plus loin en proposant des moyens d'action collective et entend provoquer l'imagination radicale "afin de générer un avenir plus équitable".
L'unique fenêtre de la galerie est recouverte de graffitis de protestation, six œuvres de l'artiste multidisciplinaire et activiste égyptienne Bahia Shehab issues du projet "A Thousand Times No" (2010-présent). L'artiste a rassemblé 1 000 versions historiques de la lettre signifiant "Non" en arabe, de l'Espagne aux frontières de la Chine, afin d'illustrer l'expression arabe familière : "Non, et mille fois non !".
Initialement réalisé sous la forme d'une installation artistique et d'un livre, le projet a été propulsé dans la rue par le soulèvement égyptien de 2011, lorsque Shehab a commencé à taguer la phrase "Non au régime militaire" dans les rues, disant non aux dictateurs ("non à un nouveau pharaon") et non à la violence ("non aux héros aveuglants") en réponse à la violence inouïe exercée par l'État égyptien sur des manifestants pacifiques. Plus tard, les symboles se sont étendus à l'échelle internationale par le biais d'une série d'interventions sous forme de graffitis dans des espaces publics. L'œuvre proclame la liberté d'expression au sein de l'art islamique ; elle défie la dictature, le régime militaire et la violence soutenue par l'État. Pour transféminismesShehab a réagi aux événements hypercontemporains et a conçu un nouveau non, intitulé "Non au génocide". Son travail est si inspirant que l'on regrette que les graffitis ne soient pas disponibles sous forme d'autocollants, voire de pochoirs, afin que le message puisse être diffusé au-delà des murs de l'exposition.
Autour de l'exposition, la commissaire Christine Eyene, originaire du Cameroun, a donné une conférence dans laquelle elle a décrit son long et prestigieux parcours vers une conservation féministe. Mme Eyene a tracé un chemin depuis sa mère, chanteuse et artiste à succès au Cameroun, jusqu'à l'exposition organisée par une artiste féminine dans les années 1980, en passant par des collaborations à vie avec des artistes telles que Sonia Boyce et Bisi Silva (1962-2019). Eyene a commencé par parler de son intérêt pour la formation de l'identité culturelle à travers la musique, la danse et les sons, à savoir la langue, même ou surtout lorsqu'une personne d'un pays particulier ou d'une culture familiale ne peut pas parler la langue. Cela a donné à Eyene le désir et la possibilité de se rapprocher des éléments constitutifs de la formation de l'identité. Au Cameroun, le contrôle des formes de danse par les anthropologues et les commentateurs coloniaux a conduit Eyene à se concentrer sur les thèmes de la féminité, de la matrescence (c'est-à-dire le processus de devenir mère), de la protestation et de l'identité.
Eyene a montré deux grandes photographies anciennes d'Ada Pinkston, que l'on retrouve dans l'ouvrage transféminismes. La série "Landmarked" (2018) met en scène l'artiste sur des socles vacants où se trouvaient auparavant des monuments confédérés (pro-esclavagistes), à Baltimore, dans le Maryland. À travers ce travail, Pinkston active des espaces vides qu'elle considère comme des métaphores des silences au sein de l'histoire qui démentent l'injustice. La vidéo de Pinkston "LandMarked Part 5 : A Tribute to Fannie Lou Hamer" (2018-2022) capture une performance en direct de Pinkston sur l'un de ces repères, accompagnée d'un célèbre discours de 1971 de Fannie Lou Hamer (1917-1977), l'éminente militante afro-américaine du vote et des droits des femmes qui a elle-même été victime d'une stérilisation forcée par l'État.
Les chapitres de l'exposition permettent également aux communautés londoniennes de contribuer à l'exposition. L'œuvre textuelle de Lorena Wolffer, "Públicas" (2023-présent), est un manifeste en faveur de l'égalité des droits et de l'accès pour les femmes et les personnes LGBTQIA+. Pour ce faire, l'artiste a collaboré avec des groupes communautaires à Londres en utilisant une enquête en ligne qui demandait aux participants d'identifier les règles sociales oppressives et de proposer des alternatives égalitaires.
Daria Khan, commissaire de la Mimosa House, m'explique : "Une série de nouveaux contrats sociaux élaborés collectivement remettent en question les normes cis-hétéro-patriarcales et imaginent des environnements publics et des conditions de travail plus sûrs et plus inclusifs".
Dans le même esprit, "Queering the Public Space" est une visite à pied des sites historiques et contemporains de représentation, d'activisme et de résistance queer dans le quartier londonien de Camden, où se trouve Mimosa House. Guidée par Pippa Catterall, professeur d'histoire et de politique à l'université de Westminster, la visite à pied est l'occasion d'explorer des histoires alternatives autour de Mimosa House, en lien avec l'exposition actuelle.
Les œuvres d'art les plus remarquables de l'exposition sont les dessins audacieux aux couleurs vives de Zainab Fasiki, d'une clarté de trait digne d'une affiche, qui utilisent des éléments de kitsch et de bande dessinée pour confronter le patriarcat et dénoncer les tabous entourant le corps féminin - à la fois dans le Maroc natal de Fasiki et au-delà. Avec des poils de jambes qui ressemblent à du fer à repasser, des femmes voilées et des femmes nues côte à côte, les œuvres de Fasiki dénoncent les profondes inégalités qui caractérisent les relations entre hommes et femmes à une époque où le patrimoine et l'histoire ancienne font face à l'hyper-numérisation et à la modernité. La culture du harcèlement et la honte à laquelle les femmes sont soumises sont rendues dans des couleurs brillantes et frappantes, en particulier dans les dessins de femmes d'origine musulmane qui remettent en question les notions stéréotypées de beauté. Qu'elles soient parées d'un voile noir, d'un costume de super-héros ou présentées nues, ces figures dégagent une force et une gamme d'émotions.
La plus grande œuvre de l'espace d'exposition est un portrait prismatique qui, en y regardant de plus près, révèle qu'il est fait de carrés sur le mur principal de l'étage inférieur qui s'étend jusqu'au deuxième niveau de la galerie. L'œuvre "H.EROS, Portraits of Moorish Women" (2023) de Fatima Mazmouz est composée de nombreuses faces répétées de cartes postales érotiques datant du début du 20 siècle, écrites à la main et envoyées ostensiblement en Occident. Jouant sur le regard orientaliste, la série explore l'ambivalence entre la considération américano-européenne de l'exotisme et le voyeurisme autour des femmes des régions SWANA, mis en œuvre par les migrants colonisateurs et les pillards qui écrivaient des notes banales sur des cartes postales qui exploitaient le corps des femmes. Récupérées et transformées par Mazmouz, les images des cartes postales exotiques coloniales sont réduites et utilisées comme des pixels, tandis que l'artiste zoome sur les visages des femmes exotisées qui apparaissent dans d'autres œuvres plus petites jusqu'à ce qu'elles deviennent des figures de résistance, des femmes anonymes autrefois reléguées au statut d'objets de titillation et de fantasme, aujourd'hui récupérées comme humaines et pourtant gargantuesques par l'artiste.
Daria Khan, commissaire de l'exposition, explique que parmi toutes les difficultés rencontrées pour organiser une telle exposition, la plus grande a été de montrer des œuvres sur la résistance des femmes : "Pour cette exposition spécifique, il s'agissait du financement, en raison du titre et des œuvres politiques qui pouvaient sembler provocantes pour certaines personnes. La société accepte le féminisme dans la mesure où il est gérable, acceptable et "sûr", mais pas lorsqu'il est bruyant, inclusif, politique et non conforme. Le féminisme n'est pas conditionnel.
Ambitieux, certes, mais une série qui alimente une exposition plus importante à l'étranger est une sage méthode pour construire une exposition plus vaste qui remplit réellement sa mission, à savoir représenter des secteurs très différents mais proches de chaque société. L'exposition américaine présentera les chapitres dans leur ensemble, avec les mêmes artistes, même si les œuvres sélectionnées seront différentes.
Devant tant d'ardeur, de concentration et de douleur pendant mon séjour dans la galerie, je me souviens de la référence d'Eyene à l'œuvre de Langston Hughes, ""Notre printemps lors de son exposé. Un extrait de ce poème, écrit en 1933, figure ci-dessous :
Bring us with our hands abound,
· Our teeth knocked out,
· Our heads broken,
Bring us shouting curses, or crying,
· Or silent as tomorrow.
Bring us the electric chair,
· Or the shooting wall,
· Or the guillotine.
But you can’t kill all of us.
· You can’t silence all of us.
· You can’t stop all of us —
*Le préfixe "trans" implique "à travers, au-delà, à travers, de l'autre côté de" ; tandis que le "s" dans "féminismes" reconnaît les innombrables définitions du féminisme dans le monde.
*Presque une série d'expositions d'un an, du printemps à la mi-décembre 2024, à la Mimosa House de Londres, les transféminismes feront l'objet de cinq expositions, appelées "chapitres". L'exposition se rendra ensuite au Scottsdale Museum of Contemporary Art, à Scottsdale, en Arizona, pour 2025.
Un article intéressant et important ! Cette citation m'a frappée : "Les femmes font le monde, elles sont brûlées par lui, elles le regardent brûler et pourtant elles le refont à partir des braises. Comment font-elles pour continuer tout en résistant ?"