Cuatro artistas eligen sus animales, pájaros y peces como inspiración, cuento con moraleja o metáfora.
Jelena Sofronijevic sobre Adham Faramawy
Las obras de Adham Faramawy son verdaderamente site-specific, respuestas a ecologías locales a su exposición. A veces, estas relaciones están profundamente arraigadas, y se basan en plantas no autóctonas de Londres, una ciudad "nativa" de su práctica, si no de sus primeros años. Otras son más pasajeras. Para el artista, los pájaros son simplemente "otro migrante que ha hecho de esta isla su hogar", y avatares frecuentes en sus vídeos, montajes escultóricos e instalaciones cinematográficas. Una propuesta para un jardín de periquitos (2022) considera a esta especie amenazadora o invasora como símbolo de las ansiedades políticas sobre la migración, cantando en solidaridad con los refugiados que llegan a Inglaterra en busca de un hogar. Una propuesta se une a su encargo más reciente en la galería Focal Point de Southend, "Birds of Sorrow" (2024), una reflexión sobre el agua, los residuos y la vida a través de la lente de las aves que habitan en las orillas de Barking y Dagenham, desarrollada junto a una serie de encuentros con la comunidad local.
Faramawy, que vive y trabaja en Londres, nació en Dubai y es egipcio. Navegando por estas geografías a través de la tierra y el agua, sus obras exponen los flujos migratorios y los legados de la extracción colonial y capitalista que subyacen a los Estados nación contemporáneos. La obra de Faramawy tiene en cuenta el entorno natural en relación con las comunidades marginadas; su casa de Newham, en el este de Londres, uno de los distritos más pobres de la ciudad, sufre una de las peores contaminaciones atmosféricas. "Birds of Sorrow" sumerge al espectador en la gran niebla tóxica de Londres de los años 50 y ofrece atisbos o lagunas con elementos míticos y especulativos, incluidas escenas en las que los Hijos de Lir, figuras del folclore irlandés, se transforman de forma humana a ave. La mirada de Faramawy a los cielos también explora las posibilidades de libertad dentro de esta asfixia literal. Tanto "A proposal" como "Birds of Sorrow" exploran las complejas relaciones entre los cuerpos "naturales" y el lugar, encontrando semejanzas en las identidades y comportamientos fluidos de plantas, animales y seres más-que-humanos. Su encargo UAL 20/20 para Kettle's Yard, en Cambridge, llevará sin duda la práctica del artista desde fuera hacia dentro, para considerar estas enmarañadas historias personales y familiares en entornos domésticos.
Aun así, Southend (on-Sea) es un lugar ideal para la exposición de un artista cuya obra ahonda en el conocimiento que encierran las aguas. Su exposición toma su nombre del encargo que recibió el Frieze London Artist Award en 2023, siguiendo las migraciones, la colonización y el colapso ecológico desde el río Nilo hasta el Támesis, temas especialmente resonantes con anteriores galardonados como Himali Singh Soin y Abbas Zahedi. Y estas aguas engañosas sigue a múltiples actuaciones en ciudades portuarias de todo el Reino Unido, desde la Serpentine y la Tate Modern and Britain de Londres, y el Bluecoat de Liverpool, junto a una gran exposición en el Chapter Arts Centre de Cardiff a principios de este año. La nueva película de Faramawy El ciclamen y el cedrola culminación de su reciente residencia en Kettle's Yard como parte de 20/20, un programa de tres años con el Instituto de Artes Descolonizadoras de la UAL, se presentará en la galería londinense el 6 de noviembre.
Cuando las obras de los artistas hayan sido previamente proyectadas o representadas individualmente, En el aire hirviente y los flujos de la corriente subterránea Fue la primera vez que expusieron pinturas en una institución pública, lo que permitió al público conocer su práctica y su obra en distintos soportes. Estos flujos continuos -desde la capital- podrían ser los más generativos hasta la fecha.
Tarlan Lotfizadeh en Mein Reines Schwein Sein
Cuando me invitaron a participar en una exposición sobre la brutalidad hacia los cerdos en Alemania, al principio el tema me pareció lejano y desconocido. Habiendo nacido y crecido en Irán, los cerdos estaban en gran medida ausentes de mi vida debido a la prohibición islámica de comer cerdo. Ni siquiera había visto nunca uno, así que consideré la posibilidad de retirarme, por considerar el tema irrelevante para mi experiencia personal. Sin embargo, esta desconexión me recordó otra forma de brutalidad de la que había sido testigo directo: la violencia infligida a los seres humanos. Ambas formas de sufrimiento reducen el cuerpo a un mero lugar de dolor y control. Esta constatación se convirtió en la base de mi proyecto, estableciendo un paralelismo entre el sufrimiento de los cuerpos animales y humanos dentro de los sistemas de poder.
En "Kentmaster 203" profundizo en este tema a través de la serigrafía de un diagrama de despiece de una sierra de matadero. Inspirada en la obra de Hannah Arendt Eichmann en Jerusalén: Informe sobre la banalidad del mal, de Hannah Arendt, que examina cómo el mal se convierte en rutina y se incrusta en los sistemas burocráticos, el diagrama disecciona las piezas mecánicas de la sierra, separándolas de la experiencia del dolor y el sufrimiento. Esta representación fría y metódica refleja el funcionamiento de los sistemas de violencia, ya sea en mataderos o en regímenes opresivos. Al utilizar pigmentos mezclados con mi propia sangre, añado una conexión visceral y tangible con la brutalidad. La obra invita al espectador a reflexionar sobre cómo se normaliza la crueldad en los procesos institucionales, convirtiendo los cuerpos en objetos de sufrimiento.
Este tema de la brutalidad oculta, enmascarada por capas de inocencia o normalidad, también está presente en "# f2c2d1". Esta escultura, hecha con cinco hojas de papel hecho a mano en un suave tono rosa, lleva el título del código hexadecimal del rosa de cuento de hadas. Sin embargo, el delicado color es engañoso. El papel se creó a partir de una pasta hecha con catálogos de material de matadero, y el tono rosa procede de las imágenes rojizas de carne de esos catálogos, mezcladas con mi propia sangre. A primera vista, el papel parece frágil y caprichoso, pero su creación revela un proceso mucho más oscuro. Este contraste entre apariencia y realidad simboliza cómo el sufrimiento se oculta a menudo bajo capas de normalidad. La fragilidad del papel refleja la vulnerabilidad de los cuerpos, cuyo sufrimiento se oculta bajo un exterior normalizado, que requiere una investigación más profunda para descubrir la verdad.
La obra más personal del proyecto, "slaughterme", es una vídeo-performance basada en un recuerdo de infancia de la guerra entre Irán e Irak. Mi hermana y yo solíamos jugar a un juego junto a la puerta de cristal de nuestra casa, simulando ser cerdos mientras empujábamos nuestras caras hacia el cristal. En la videoperformance recreo este juego, pero la inocencia de la infancia se ve ensombrecida por la incomodidad, el dolor y el sufrimiento. Deslizándome por el cristal, exploro la delgada frontera entre mi yo adulto y el niño que una vez fui. El cristal se convierte en una barrera simbólica que me separa del espectador y evoca la sensación de ser "otro". La obra invita al espectador a reflexionar sobre su papel como observador y testigo del sufrimiento, y sobre lo fácilmente que nos convertimos en cómplices de los sistemas de violencia.
A través de este proyecto, exploro cómo el cuerpo se convierte en un lugar donde se entrecruzan el control, el dolor y el poder, revelando cómo los sistemas de brutalidad reducen el cuerpo a un objeto de sufrimiento, un lugar donde se entrecruzan el control, el dolor y el poder.
Siobhán Shilton, Ouma y el búho
Ouméma Bouassida, alias "Ouma", es un artista del grafiti afincado en Sfax (Túnez). Ouméma empezó a practicar el grafiti en 2011, tras la revolución tunecina. Cuenta que a menudo los transeúntes se sorprenden al ver a una mujer, sobre todo si es hijabi, haciendo grafitis. La artista pretende cambiar las percepciones: "A través de mi arte, defiendo hoy a la mujer árabe, musulmana, artista, con velo y libre. Eso es lo que soy, de hecho".
El grafiti de Ouméma es, según Fatima Sadiqi, un ejemplo de las voces y estrategias feministas alternativas que han surgido en el Norte de África desde las revoluciones y protestas en la región MENA desde 2011. Sin embargo, la obra de esta artista no solo subvierte las percepciones reclamando el espacio público. La presentación que Ouméma hace de su obra -y de sí misma junto con su obra- en las redes sociales potencia sus intervenciones. En las fotografías y vídeos de la artista, el proceso y la actuación tienen prioridad sobre el mural terminado. Estas imágenes ponen de relieve su presencia y visibilidad como grafitera hijabi, atravesando espacios y formas artísticas tradicionalmente sexistas. Los mensajes de Ouma-Ouméma alternan entre sus múltiples identidades profesionales y personales, de artista y diseñadora de moda a madre, remodelando la imagen del grafitero dentro y fuera de Túnez.
Muchos de estos vídeos y fotografías muestran un primer plano de Ouméma con las manos cubriéndole el rostro, con los dedos separados a ambos lados de los ojos. Este gesto, irónico y juguetón, oculta y revela el rostro de la artista. Recuerda el hecho de que los grafiteros trabajan tradicionalmente de incógnito, mientras que la práctica de Ouméma es muy visible, y su visibilidad en el espacio público es crucial para su mensaje. Este gesto vincula irónicamente las dos caras de su identidad como musulmana y grafitera. Recuerda a un búho, un motivo recurrente en la obra de la artista.
A video del mural de Ouméma de un búho con un elaborado collar amazigh y que lleva a la espalda unas Converse rojas de caña alta pone de relieve el significado de esta ave para la artista. Explica que el búho es "el único pájaro que vuela y no hace ruido con las alas, por lo que siempre consigue sus objetivos", mientras que las Converse representan la juventud. La imagen se hace eco del propio viaje de Ouméma como artista. Al ver el vídeo, los espectadores podrían establecer esta conexión entre la artista y el búho "feminizado", ya que la discusión de la artista sobre este simbolismo sigue inmediatamente a sus comentarios sobre su carrera: tras la revolución, pudo cubrirse con un velo y, por tanto, estudiar y convertirse en una artista con oportunidades de viajar. La conexión entre Ouméma y el búho también surge visualmente: el color azul brillante que lleva coincide con el color dominante en el mural. La imagen de las joyas amazigh de su camiseta, que ella misma diseñó, puede relacionarse con las joyas de la imagen. Aunque en esta ocasión no se ve su calzado, es frecuente verla con Converse. En su carteraLa artista considera que el búho (considerado símbolo de sabiduría y guía espiritual en muchas tradiciones) representa, en estos tiempos, un momento de transición o cambio importante.
Mohammad Shaqdih, Fish Installation 2 (cortesía del artista).
Mohammad Shaqdih, Fish Installation I (cortesía del artista).
Charlotte Bank en Mohammad Shaqdih
Entrar en la instalación de Mohammad Shaqdih "Los peces de Al-Jalil", 2016, es como entrar en un mundo mágico, un acuario imaginario o un espacio de otro mundo donde los peces flotan en el aire. Cuerdas de peces pequeños y juguetones de colores azul, turquesa, verde y marrón cuelgan del techo, sujetas a cuerdas transparentes. Sin embargo, este espacio aparentemente alegre está relacionado con una historia sobre las esperanzas perdidas de desarrollo turístico y comercial en la ciudad de Al-Jalil (Hebrón), en Cisjordania. Los peces fueron recogidos por el artista de un taller de vidrio en desuso, un negocio con una larga tradición. En manos de la misma familia desde hacía muchas generaciones, era conocido por sus pequeños peces de colores que se habían convertido en populares souvenirs.
Ante la creciente invasión de su territorio por los asentamientos israelíes, cada vez más extensos, el acceso se hizo casi imposible, lo que finalmente llevó al taller a la quiebra y lo obligó a cerrar. Con este cierre se puso fin a otro capítulo de la producción de vidrio en la ciudad, una tradición artesanal cuyas raíces se remontan a muchos siglos atrás. Más recientemente, el "vidrio de Hebrón", como se conoce ampliamente, se fabrica en gran parte con vidrio reciclado, lo que añade una dimensión ecológica a su producción. Pero se trata de una tradición que se extingue cada vez más a medida que los talleres y las empresas desaparecen.
Esta turbulenta historia parece estar muy lejos de los alegres pececillos que pueblan el espacio de la instalación de Mohammad Shaqdih. Están bastante aislados unos de otros, en contraste con las comunidades unidas tan características de los antiguos barrios de las ciudades árabes. Y están orientados en distintas direcciones, convirtiéndose así en una metáfora de la expulsión y dispersión de la población autóctona de la ciudad. A través de sus vivos colores pueden representar la fuerza, y el hecho de que el vidrio sea en muchos sentidos indestructible, siempre reutilizable y adaptable puede leerse como una metáfora de la condición (no deseada) palestina.
La instalación ofrece a los visitantes la oportunidad de interactuar con sus delicados objetos como testigos de una tradición artesanal en vías de desaparición, tan estrechamente vinculada a la ciudad palestina de Al-Jalil. En una época en la que las vidas y los medios de subsistencia de los palestinos se destruyen a diario, insistir en la existencia de estos espacios y continuidades históricos resulta cada vez más pertinente.
